鹿隐周刊
第 7 期
Luyin Weekly Phase 7
徐晓东
绘画作品欣赏
（人物篇）
XUXIAODONG
Appreciation of Paintings
(Characters)
Artist/ 徐晓东
1988年
考入中央美术学院油画系第一工作室，师承靳尚谊、潘世勋、孙为民、杨飞云、朝戈。
1995年
到中央美术学院附中工作
2007年
考取中国艺术研究院博士，师从于杨飞云教授。
2010年
毕业于中国艺术研究院后，从中央美术学院附中调入中国艺术研究院油画院。现为中国油画院画家，硕士研究生导师。
《期待者》
104cm×104cm 2008年
《阳光下》
180cm×120cm 2008年
《戴耳环的少女》
40cm×50cm 2020年
《归途》
40cm×50cm 2020年
《荒原的行者》
50cm×60cm 1989年
《陌生人》
50cm×60cm 2001年
《青春无限》
40cm×50cm 2020年
《人生三相》
40cm×50cm 2020年
《如山之躯》
30cm×40cm 2020年
《生命之赞》
50cm 2020年
《土地》
180cm×120cm 2012年
《夏河的回忆》
40cm×50cm 2020年
《小哥俩》
40cm×50cm 2020年
《秀外慧中》
24cm×30cm 2020年
《雪山之下》
30cm×30cm 2020年
《血气方刚》
24cm×30cm 2020年
在美术馆临摹普桑和提香
徐晓东
2016年10月，中国油画院组织了一次去美国华盛顿国家美术馆的临摹活动，这次美国临摹我是第一次面对大师的绘画如此近的距离如此直接地描摹，这的确与我们仅仅用眼睛去观察有所不同，这种不同来源于实际绘画技术的介入，油画是有语言的，而油画的语言就存在于每一幅作品之间。
我临摹的两幅作品是提香的《镜前维纳斯》与普桑的《圣母升天》，这两幅作品是我自己选择的作品，为什么临摹这两幅作品，其实，这也与我自己的绘画兴趣有着直接的和内在的联系，首先临摹的是普桑的作品《圣母升天》，选择普桑的作品是我的一个夙愿，当我第一次见到普桑的作品时，让我莫名的激动了很久，那是在三十多年前法国250年绘画的展览上，我第一次见到普桑的《阿而卡地亚的牧人》这幅画就被深深地吸引住了， 当时我并不了解吸引我的是什么，但是有一点非常清楚，自那以后我就开始了油画的学习，现在我知道吸引我的是什么，当时我的理解是普桑画的细腻丰富，现在看来这种理解是表面的，有内在的原因是我感动，但当时我并不了解，这种内在的原因，就是所谓的古典精神，我们似乎也一直在学习所谓的古典绘画，但是什么是古典精神，却似乎从来没有深入和准确地了解过，古典精神很长时间仅仅是一个名词概念或一种图像模式，这一点也很容易理解，因为所谓的古典从来没有存在于我们的文化之中，我们所理解的古典与西方意义上的古典有着完全不同的语境，现在看来80年代的古典风绘画仅仅是一个名词而已，与西方的古典主义精神完全是风马牛不相及。所谓古典主义绘画就必须说到普桑，而普桑的古典的源泉是古希腊，普桑的作品中始终贯穿着古希腊艺术的精神，严谨庄严的构图，经典优美的形象和谐共融的自然都是普桑作品中典型的形式，普桑是绘画中的普罗米修斯，他把古希腊的火炬传接下来，给后来的遵循者点亮着方向，因此选择普桑作品临摹就是非常重要的工作，我要通过作品来追述存留于作品中的古典精神，不仅仅是技巧语言和形式，同时还要通过对普桑这幅画的临摹来探求对古希腊艺术精神的体验，通过这幅画的临摹我也真切体验到普桑所倡导的古典精神的特质，每个画家的气质都有各自不同的状态，普桑在表达对这种古典精神的阐述中他也最完整地呈现了自己。
《圣母升天》这幅作品有典型的普桑绘画的形式感，在这幅画面中，小天使簇拥着圣母，身披蓝色衣裙的圣母伸开双臂迎接天堂的召唤，画面中既庄严而又不失动感，我临摹时有一个深刻的体会，普桑对透视技法驾轻就熟，这幅绘画中天使和圣母都是飞翔在空间中，而每一个模特所处的空间有符合人的视觉逻辑，观者第一眼看到这幅作品就接受了普桑所给定的人物与空间的关系，观者相信画中的圣母正在小天使们的伴随下飞向天堂。喻示人类的善与爱被圣母引向天堂，而普桑营造的画面使这一景象就真实地发生在观者面前。普桑的画面在现实中是无法看到的，但是，普桑应用了人的理性思辨，使飞翔的天使与飞天的圣母真实地呈现出来。普桑之所以是一代宗师，原因就在于他给人的想象提供了一个具体的舞台，人的灵智可以在这个舞台上恣意舞蹈，人们并不怀疑这个舞台的真实性，人们相信天堂就在那里，就在画家魔术般的画面中，而这一切都来自普桑结构严谨的构图，庄严而又充满韵律形式，以及对古典艺术精神的执着坚守。
面对原作临摹和一般在博物馆欣赏作品体验完全不同，严格说普桑的画面没有太多让人惊叹的技艺，从绘画技法上看是朴素的诚恳的。在博物馆众多的名画中，观众肯定不会第一眼看到普桑的绘画，但是，博物馆看完后还想再看的画中就一定会有普桑的绘画，就我而言每次卢浮宫走完一遍后要反复再看的画中，一定有普桑的作品。因为，普桑追寻的古典精神已经浸润到我的艺术理想之中，这一点上我更能理解塞尚所言：“每次我从普桑那回来，我便更了解我是谁”。塞尚的问题普桑那里都有答案，而塞尚终其一生的使命就是如何“以自然重画普桑”！
普桑给法国带来了意大利文艺复兴的火种，自他以后，法国的艺术逐渐走向世界之巅。在这一点上说普桑是法兰西“绘画之父”并不为过。
我在华盛顿国家美术馆临摹的第二幅作品是提香的《镜前的维纳斯》，这幅作品可以说是华盛顿国家美术馆中最美的一幅画，这幅作品的美，语言难以形容，用词藻描述这幅作品都显得很生涩，千言万语不如回眸一瞥，这幅作品中可以领略到所谓“提香金色”的动人心魄。这样的颜色温暖而又亲切，是人神同体的存在，似乎每一笔颜色中都有生命的活力，画面赤裸得如此华贵。
选择提香这幅《镜前的维纳斯》，是因为提香是油画语言的大师，提香把色彩发挥到了让人叹为观止的绝境，就其绘画色彩语言上而言，提香无疑是做得最为辉煌的一位，是无人可与之匹敌。但是，这种辉煌无论在任何的复制品中和画册中都无从领略其全貌，只有面对真实的作品时，那无以复加的美感才能真正进入你的体验之中，这幅提香画的维纳斯让我体会到所谓的绘画的生命不是一个学术概念，而是绘画的形式与内容都是生命本身的状态，作品是活的，是会说话的，是会传递情感的，这样的情感留存在画面之中，这幅绘画几百年后，今天的我们同样能够感受到画面的温暖与美丽。而体会这些只在博物馆中观看作品是很难做到的，所以，就要通过对这幅作品的临摹来更进一步地深入体验。
《镜前的维纳斯》这幅作品越深入临摹越觉得这幅作品绘画技法的高超，看似提香用直接画法画得生动流畅，其实，并不是那样，提香颜色丰富微妙的原因在于他在画面中用薄的透明颜色反复罩染，留到画面最后一层颜色已经是若干层透明颜色反复多遍后的结果，他绘画开始时，造型用笔肯定迅速，之后的罩染就在此基础上不断深入，尤其是在人体皮肤上的色彩处理，最后画面达到了皮肤下面似乎有血液在流动的境界，我临摹时走到画面很近的地方仔细观察了画面罩染的遍数，有一些痕迹可以看到罩染的过程，我仔细看后感觉这些都是提香信手拈来做到的，根本就无所谓方法，胡涂乱抹却点石成金，那些金属放光的细节更是笔走龙蛇，而放在整体中又恰如其分。提香在绘画中似乎完全没有约束，酣畅淋漓的同时又妙笔生花！每到临摹到妙处时我顿感身心通透，才思隽永。
在《镜前的维纳斯》中提香处理人物的边线非常考究，亮面边线反复推敲，虽然对比强烈，却过渡有空间，暗面边线虚到空间里面去了，这样人物形体就浑厚整体而又完美了。提香的画面中对造型与色彩的推敲是缜密而又富于变化，这些特点直接影响了后来的巴洛克时期的画家鲁本斯和古典主义时期的普桑。
西方绘画艺术的大师中，真正具有人文主义情怀的画家就是提香，提香的作品是有温度的，在他的画面前，虽然，绘画技法玄绝高妙，笔触酣畅淋漓，色彩辉煌绚丽，但是，这一切都无法遮蔽他画面中生命的活力的涌动和让人动容的和谐与温暖的色彩。他的绘画已成化境，他是真正讴歌人的画家。
文艺复兴时期的大师们在他们各自擅长的领域中做出了让后人叹为观止的绘画杰作，今天，我临摹提香这幅作品时，总是被他那油画的机制所衬托出的皮肤的温暖与色彩的和谐所感动，提香无疑具备非常高超的油画技巧，但是，这样的技巧是在绘画呈现的对象后面，只有站在画面临摹的时候才真正体验到所谓的大师技巧的妙处，也只有通过临摹才能进入到大师们的技术体验之中，提香绘画中的酣畅淋漓与自由自在地表达与绘画形象与形式之间形成了自然天成般地完美，通过临摹也体验到所谓的油画语言其不是孤立的，也不是单纯技术训练就掌握的，她需要作者对形象有着饱满的热情与热爱，在这样的情感状态下所表达的技巧就像我们从提香作品中所看到的一样。
这次临摹也让我们更深的体会到，绘画艺术就是自身内在情感的表达，只有被自己内在情感所唤起的表达，才能突破技术的局限与纠结，才能做到心、眼、手完美合一的再现。
作品提供：徐晓东
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杭州师范大学教授/画家
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